Après avoir été un coup de cœur du OFF en 2025, est-ce qu’on aborde Avignon 2026 avec plus de pression… ou surtout plus d’excitation ?

Je pense que les deux sont indissociables. Les retours du public comme des professionnels ont été extrêmement positifs l’an dernier, et ça a été un vrai encouragement pour nous.

Forcément, il y a cette confiance qui naît en se disant : on sait que le spectacle touche les gens. Mais il y a aussi l’idée qu’aujourd’hui, on nous attend davantage, et cette attente peut être assez vertigineuse.

En même temps, on ne s’est pas reposés sur ce premier succès. Avec Renato Ribeiro, on a retravaillé certaines scènes, approfondi le jeu des comédiens et intensifié le rythme du spectacle. Hubris conserve pleinement son identité, mais revient cette année avec encore plus de puissance et d’énergie.

Pour ceux qui n’ont pas découvert Hubris l’an dernier, comment présenteriez-vous le spectacle ?

Hubris, c’est une relecture contemporaine de L’Iliade qui utilise la mythologie grecque pour interroger notre monde actuel.

Dans la Grèce antique, l’hubris désigne cette forme d’orgueil démesuré où l’homme se croit au-dessus des autres, se prend pour Dieu. Et finalement, cette idée résonne encore énormément aujourd’hui.

La pièce ne raconte pas la guerre de Troie dans toute son ampleur. J’ai choisi de recentrer le récit autour de cinq figures mythologiques : Achille, Thétis, Chryséis, Briséis et Patrocle pour montrer les conséquences profondément humaines des décisions prises par les puissants.

On traverse la guerre non pas du point de vue héroïque, mais à travers celles et ceux qui en subissent les répercussions.

Faut-il bien connaître la mythologie grecque pour entrer dans Hubris ?

Pas du tout. Le spectacle a justement été pensé pour être accessible à tous, même à des spectateurs qui découvriraient complètement cet univers.

La mythologie sert surtout de mise en abîme : ce qui compte avant tout, ce sont les relations humaines, les tensions, les choix et leurs conséquences.

On est très loin d’une fresque antique figée ou d’un cours de mythologie. La mise en scène est volontairement épurée, presque minimaliste, pour faire la part belle au texte.

Quelle place occupent le son et la lumière dans la pièce ?

On me dit souvent que la pièce dégage une dimension cinématographique. Cette identité doit beaucoup au travail d’Ugo Bussi, créateur des lumières et de l’univers sonore.

Ensemble, nous nous sommes nourris d’imaginaires comme ceux de Denis Villeneuve, notamment à travers Dune et Blade Runner 2049.

Nous voulions que chaque élément scénique : lumière, son, costume, soit le témoignage de la violence de l’hubris, capable de détruire autant le monde que ceux qui la portent.

En épurant la forme, nous avons voulu laisser toute la place à l’identification, à l’émotion et à la responsabilité de chaque spectateur. Au fond, les sous-textes n’existent que dans leur regard.

Vous disiez que le récit tourne autour de cinq figures tragiques, pourquoi avoir choisi celles-ci précisément ?

Ces cinq figures résonnent profondément les unes avec les autres. Leurs destins sont entremêlés : chaque choix, chaque décision des uns a un impact direct sur le destin des autres.

Chacun des personnages est également construit autour d’une thématique forte. Achille incarne l’orgueil dans sa forme la plus démesurée. Thétis, seule divinité de la pièce, représente la maternité poussée à l’extrême, dans sa dimension protectrice et tragique.

Briséis, elle, ça va être le pardon, Chryséis, en miroir, explore plutôt la vengeance. Et Patrocle incarne une forme d’humanité, de compassion, une présence tournée vers les autres poussée à son paroxysme.

Au fond, ce sont des êtres profondément humains, confrontés à des événements extrêmes, qui tentent chacun à leur manière de réagir, de survivre et d’agir ensemble face à la violence de leur monde.

Hubris donne une place centrale aux femmes, c’était important pour vous ?

Oui, il y avait une volonté de faire apparaître une dimension de l’histoire qui est souvent invisible dans le récit originel d’Homère.

Dans L’Iliade, les femmes sont très souvent reléguées au rang de prétextes, de trophées ou de conséquences des conflits. Elles existent à peine en tant que sujets.

Hélène, par exemple, est souvent réduite à la cause de la guerre de Troie, ce qui me semble extrêmement réducteur.

Redonner une place centrale aux femmes, c’était donc une manière de rééquilibrer le regard, de leur redonner une humanité et une voix propre au sein du récit.

Quels sont les prochains projets de la compagnie ?

Je travaille actuellement à l’écriture de ma deuxième pièce, Le vol de la Joconde, qui s’ancre dans le contexte historique du véritable vol de 1911.

L’action se situe dans une période charnière, entre l’affaire Dreyfus et la Première Guerre mondiale, un moment de bascule où la société est traversée par de profondes tensions, qui résonnent évidemment avec notre époque.

On y retrouve notamment la montée des idéologies fascistes, de l’antisémitisme et du racisme, qui entrent en écho direct avec notre présent.